学服装设计需要什么基础？

1，绘画基础和造型能力

制图基础和造型能力是服装设计师的基本功之一。

只有具备了良好的绘画基础，才能通过设计造型的表现能力，准确地将设计师的创作构思以绘画的形式表现出来，另一方面也能在设计绘画的过程中更好地欣赏服装造型的韵律美和节奏美，从而给设计师以灵感。

20世纪初，包豪斯曾提出“设计的目的是人，而不是产品”，尤其是服装本身就是人体的外部覆盖物，与人体息息相关。作为设计师，只有对人体的比例结构有准确全面的了解，才能更好的立体表现人体之美，这是设计的基础。

2.丰富的想象力

创意和想象力是服装设计师的翅膀。设计师的技术再好，也只能称之为工匠或裁缝，而不是真正的设计师。设计的本质是创造，设计本身就包含着创新和独特。自然界的花鸟树木，我们身边的装饰物品/丰富的民族民间题材，音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代生活方式都能给我们很好的启发和设计灵感。千百年来，在服装的历史长河中，正是由于前人丰富的想象力和独创精神，才给我们留下了丰富而珍贵的财富。

在西方服装设计史上，那些著名的标志性服装设计师以其独特的创造力和想象力在重新设计上别出心裁。尤其是在20世纪30年代，一位颇具影响力的意大利女设计师夏皮罗·雷利(Shapiro Reilly)将自己的鞋子设计成了戴在头上的帽扣，将口袋设计成了抽屉。她丰富的想象力，幽默的形象，大胆独特的设计风格，受到后人的高度赞扬。

3.对款式、颜色和面料的掌握

服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和构件细节造型，是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度组成，包括腰线、裙长、肩宽、下摆宽松度等元素。最常见的轮廓形状有“A”、“X”、T、H、O等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条，直接决定了款式的流行程度。部件细节的造型是指衣领、袖子、口袋、裁剪结构甚至是褶裥、拉链、纽扣的设计。

服装的色彩变化是设计中最引人注目的部分。服装的色彩最容易表达设计感受，也容易被消费者接受。炽热的红色、酣畅淋漓的黄色、静谧的蓝色、圣洁的白色、素净的灰色、坚硬的黑色，每一种服装颜色都有丰富的情感表征，给人丰富的内涵联想。除此之外，色彩还有轻、强、冷、软、硬的感觉，当然色彩也能让我们联想到味觉和嗅觉。

对服装面料特性的掌握和运用是不成熟设计师的重要条件。设计师首先要了解面料的厚薄、柔软、滑爽、顺滑的区别，通过面料不同的悬垂感、光泽、清晰、厚重以及不同的弹性和悬垂感，仔细了解款式和品牌的差异，并在设计中灵活运用。

不同质地、纹理的面料完美结合，更能展现设计师的艺术功底和品味。服装款式的各种造型不仅仅表现在设计图上，而是用不同的面料和裁剪手法来实现的。只有熟练掌握和运用面料设计，才能得心应手。

服装的款式、色彩、面料缺一不可，是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料等基础知识的掌握和运用，也能在一定程度上体现一个设计师的审美情趣、品味和艺术功力。

4.了解结构设计，裁剪和缝纫。

结构设计和裁剪技术的学习也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分，服装的各种造型其实都是通过裁剪和改变尺寸本身来完成的。如果不懂面料、结构、裁剪，设计只能是“纸上谈兵”。不要以为公司里结构设计和裁剪是印刷大师的事。一个只会画图不会打印的设计师，绝对不是一个完美成熟的设计师。不了解格局和结构变化，设计就会不合理，不成熟，甚至无法实现。

20世纪很多大师直接从服装的裁剪和结构入手，把这些作为非常重要的设计语言，比如巴伦西亚卡、朗曼、威欧尼特、三本耀思等等。仔细研读大师们的作品，可以看出服装的结构设计内涵丰富，表现手法独特，其深沉含蓄，不张扬的风格值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计，我们对作品的欣赏只会停留在表面，设计只能是一个空架子，经不起推敲和检验。

缝纫也是服装设计的关键，各种我们不知道的缝纫技巧和方法也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝纫的方式和效果也是设计的一部分。不同的缝纫方法可以产生不同的外观效果，甚至特殊的纹理效果。有些设计师把“缝纫效果”作为一种设计语言来尝试新的效果，在诚意设计中很受欢迎。这就要求设计师必须熟悉服装行业中服装缝制的各种加工设备和特殊零件，熟悉针织和机织的加工工艺，才能在设计和应用中得心应手。

5.了解服装设计理论和历史。

服装设计的初级阶段是掌握一些基本的技术和技巧，一个成功的服装设计师应该有设计头脑和敏锐的创意思维。仅仅掌握基本功，画出漂亮的效果图是不够的。艺术院校服装设计专业开设服装理论课程。通过这些课程，学生可以了解中外美术史、设计史、服饰史、服饰美学等理论知识，同时可以开阔视野，拓宽设计思路，激发设计灵感。

特别是学习中外服装发展史，其源远流长的服装演变可以为我们提供很多设计灵感。古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克风格、洛可可风格在现代时尚大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史和现代服装的演变，才能在设计史上立足现代，预测未来。了解中西服装发展史的变迁，也有助于你了解中西服装的差异，让自己明白作为一个东方服装设计师如何面对西方服装，如何在设计中体现民族风格，如何在世界服装舞台上赢得一席之地。

6.掌握20世纪服装发展史，掌握风格。

了解和掌握20世纪服装发展史和大师们的风格，是成为服装设计师的快捷方式。从20世纪初的香奈儿到20世纪初的加里亚诺，每一位设计师都给我们留下了服装史上永恒的美丽:20世纪二三十年代优雅浪漫的低腰露背连衣裙；20世纪50年代优雅而丰富的高级时装；六七十年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰；20世纪80年代，宽肩、宽松的男性化职业女装；90年代迷人的蕾丝和透视服装...只有研究20世纪服装的发展历史，才能了解那个时代的大师们的设计风格和艺术表现，才能对我们自己的服装设计有所借鉴。

20世纪80-90年代，德国设计大师卡尔·拉格费尔德是香奈儿公司的首席设计师。为了扭转当时香奈儿公司的困境，为其注入新的活力，卡尔·拉格费尔德首先开始熟悉香奈儿品牌的设计风格，这样他就可以在默默写下一段话的同时，解释香奈儿几十年历史中的每一种风格。在充分了解香奈儿的风格和设计历史后，卡尔·拉格费尔德改变了香奈儿套装的沉闷和单调，在90年代推出了柔和性感的香奈儿套装，使香奈儿服装重新焕发了生机，重新赢得了年轻女性的喜爱，从而恢复了香奈儿品牌昔日的活力。

可见，每个设计师都要付出相当大的努力，才能让设计出来的作品得到认可，获得成功。

7.了解市场营销和消费者心理。

一个成功的设计师，首先要在市场上取得成功，根据企业的品牌定位，规范自己的设计风格和路线。卡尔·拉格费尔德还是香奈儿、芬迪和克罗威等三个国际知名品牌的首席设计师。在为每个品牌做策划设计时，他以品牌的定位为准绳，宣传了三种不同的品牌风格，被誉为“天才设计师”。

服装设计师最终要在市场上体现自己的价值。只有真正了解市场和消费者的购买心理，才能掌握真正的市场人气(而不是时尚杂志上颁布的理性潮流)。而设计与技术的完美结合，配合适当的营销渠道，将通过销售转化为商品并被消费者接受，真正体现其价值，才能顺利完成服装设计的全过程。

8、计算机技能

随着计算机技术在设计领域的不断渗透，计算机已经成为服装设计师手中最有效、最快捷的设计工具，尤其是在一些比较正规的服装企业，服装设计CAD、服装设计CAM等设计、印刷、印花软件的应用非常普及，刺绣图案、印花图案也是由计算机完成。

计算机作为一种先进的现代绘图工具，具有丰富的表现力和非凡的潜力。在服装设计和面料、图案设计中掌握和运用电脑绘图软件，不仅是日常设计工作的需要，也是作为一名“现代设计师”的品味和乐趣所在。

9、观察力和敬业精神

作为一名服装设计师，对服装有敏锐的观察力是非常重要的。由于服装设计教育过于强调基本功和技法的训练，学生往往缺乏市场意识、清晰的思维、敏锐的观察力和整体思维能力，毕业后往往不能快速适应设计师的工作。如何主持一个品牌设计，取决于设计师强大的综合能力和对服装敏锐的观察力，这不仅需要技术上的创意，更需要理性的思考，去分析市场，找准定位，有计划地运作，有目的地推广品牌。那么，如何让你的品牌有风格，让目标消费者穿着时尚；如何吸引你的客户，扩大市场份额，提高品牌品味，增加设计含量，获得更大的附加值，创造品牌效应，是服装设计师应该具备的基本素质和技能。

从事服装设计行业也是需要职业素养的，不仅仅是作为一种生计，更是作为一种职业去追求和热爱。其实“爱”这个词一点都不过分。只有全身心地投入，努力工作，才能最终获得丰厚的回报。其实一切都一样。香奈儿于20世纪初开始设计女帽，从此走上了漫长的时装设计之路。在接下来的50年里，她一直以时尚革命者的身份活跃在时尚舞台上，直到20世纪70年代她生命的最后一刻，她一直忙于自己的设计...

服装设计师直接设计产品，间接设计个性和社会。随着科学和文明的进步，人类艺术设计的手段也在发展。信息时代，人类文化交流的方式与以前相比发生了很大的变化，严格的行业界限正在弱化。服装设计师的想象力很快突破了意识形态的禁锢，以各种形式释放出来。新奇、神秘、抽象的视觉形象和极端的色彩在惊人的对比中出现，我们不得不调整眼睛去适应新的风景。服装艺术的表现形式越来越多，有时也更加神秘。如何看待服装艺术，欣赏和感受服装本身的语言，已经成为当今网络时代“注意力”经济中的“眼球大战”。服装设计要有很强的审美和价值观。既然设计出来的衣服要穿在生活中，既要漂亮时尚，又要低调优雅，这样衣服才不会落伍，所以一个设计师在设计衣服的过程中要忘记自己就是自己，而是设计出自己想要表达的东西。