素描！怎么学？你在哪里学习？

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素描是一种单色绘画，用炭笔、铅笔、钢笔等。用于用线条绘制明暗物体。单色水彩画和单色油画也可以算作元素。

描述；中国传统的线描和水墨画也可以称为素描。一般来说，素描多样化指的是铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，是学习绘画艺术必须经过的一个阶段，素描通常使用能在平面上留下痕迹的方法:比如炭笔、钢笔、毛笔、墨水、纸张等等。轮廓和线条是素描的通称。素描有一种自然法的感觉。不同的笔触创造出不同的线条，交叉的关系和节奏，主动和被动的周围环境，平面，体量，色调和质感。

素描是一种形式上的艺术创作，用单色线条表现直观世界中的事物，也可以表现思想、概念、态度、感情、幻想、符号甚至抽象形式。它不像彩画那样注重整体和色彩，而是注重结构和形式。

草图分类

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铅笔素描铅笔素描往往是素描练习的开始。无论是精细素描还是速写，都可以从容易修改的铅笔开始。和实践

石膏方砖

利用

对于不同标记的铅笔，铅笔标记B表示黑度，即笔芯中炭黑的含量。正面标记的数字越大，颜色越深，铅芯的质地越软越疏松。可以用来画较暗的部分。h代表硬度，前面的数字越大，质地越硬，可以用来画较轻的部分。

铅笔素描的画纸可以是粗糙的纸，比如150磅或者200磅的模板纸，软胶优先。

常见的速写练习可以通过静物速写和风景速写来练习。新手最好不要把碳和铅结合在一起，因为碳笔是亚光的，铅笔是油的。

炭笔素描

炭笔素描中的炭条通常由柳条制成。画纸可做150斤或200斤，可用软胶、馒头、面包擦拭。

炭笔素描往往以石膏为练习对象，因为石膏是经过净化的物体，没有颜色，质感变化强烈。经光线照射后，能产生明显的明暗对比。初学者往往从头像开始。

素描主题

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(1):以人像和风景为主。

素描最初是为了绘画、雕塑等艺术，后来因为流畅、丰富、美观而发展成为一门独立的艺术。它的题材可以取自任何东西，不受约束。一般以肖像画和风景画为主，而西方素描往往是人物和静物。

(2):日常生活、抽象素描、艺术建筑素描。

19世纪，出现了以日常生活为题材的小品。其他还有想象与抽象素描、艺术建筑素描等。

(3):立体主义、表现主义、超现实主义素描。

20世纪的素描似乎反映了不安、动荡和科学进步。其中一些以粗线条为特征。其他画家试图将生活融入几何图形(立体主义)。还有20世纪各种流派的x光技术，就是同时看到外面和里面。表现主义画家追求“表达一个场景的感受而不是描绘事物的现实面貌”，超现实主义画家则侧重于表达潜意识心理。

(4):实用技术素描。

实用素描应该清晰地记录一个客观的事物。总的来说不强调美观，强调技术设计。实用草图包括用于科学目的的插图和解释。许多艺术家都画过科学解释的草图。文学作品中的速写插图一般是对某一段落的画面描述，但由于表现了画家独特的笔法风格，所以仍然享有很高的艺术声誉。与此相关的是漫画，是为了社会批判而创作的假想画面。并由此发展为漫画，进而演变为现代漫画。

草图工具

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素描工具有很多种，石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔、钢笔。还有画着钻和钻石的。工人

工具的不同与素描的性质和构图有关，工具也会影响画家的情绪和技巧。工具的选择取决于画家想要达到的艺术效果。一般来说，干笔适合作清晰的线条，墨水笔适合表现平面；精致的笔触可以用刷子刷，广阔的田野可以用铅笔或粉笔勾勒。炭笔两者皆可。从作品的大小来说，大型素描作品适合用炭笔来画，轮廓和细心可以长时间仔细研究分析。至于铅笔，适合小一点的尺寸，大铅笔画很少，而钢笔画就更小了，往往更多的是用在插图上。素描的单色表现使工具具有很大的随意性，往往可以综合运用，创造出多种多样的画面效果，所以是一个非常广阔的世界。

(1)铅笔

铅笔是最简单和最方便的工具。初学素描往往从铅笔开始。主要原因是pencil在线条造型上可以做到非常准确、明确，可以随意修改，可以深入细致地刻画细节，这是由于严格的物理要求和深入反复的研究。同时铅笔也有很多种，硬的，软的，深的，浅的，可以画出更多的色调。铅笔的颜色也便于在色调中表现出许多银灰色的层次，对于石膏等基础训练操作有效，初学者容易掌握。所以比较适合基础训练初期应用。现有的国产铅笔分为两种，以HB为中线，从柔和到深色的变化是B到6B。为了更好的满足绘画的需要，增加了7B-8B，我们称之为绘画铅笔。HB从h发展到6H，多用于精密设计等专业。因为铅笔的种类很多，所以可以表现出丰富的明暗色调。

(2)炭笔:

碳笔不脆不硬，碳棒烧透软黑，碳棒软无砂。

(3)钢笔:

包括所有自来水型硬笔尖的钢笔。也可以用日常写字用的笔画画。一般稍加处理，用小钳子将笔尖向内弯曲30度左右，这样正写精细流畅，反写粗细可以自由控制。

(4)纸张:

白色、厚实、有纹理的纸。铅笔画纸不要太厚，炭笔画纸不要太光滑，而钢笔画纸要有较光滑的纸面和一定的吸水性。

(5)画板:

光滑无缝的夹板最好。如果站着画，也要准备画架。

(6)橡胶:

最好使用扁平柔软的方形橡胶。而橡皮泥，橡皮泥容易变形，所以适合各种擦拭，但是清洁和修饰能力一般。

(7)卷笔刀、图钉、抹布等工具备用。

技术类型

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(1)线条和线条技术

石膏嵌件

素描的元素是线，但线本质上是不存在的。只代表物体、颜色、平面的边界，作为物体的错觉。直到现代，线条才被认为是自发的形式元素，独立于所描绘的对象。

(2)用线条构成物体的形象。

素描是用线条形成物体的形象，并在平面上描绘出来，即线条形式引起观者的联想。比如两条直线相交形成的角可以认为是一个平面的边界；此外，添加第三线可以在画面上营造出立体感。弯曲的线条可以象征拱顶，相交聚拢的线条可以表现深度。人们可以从线条的变化中获得可理解的形象。因此，通过线条的手段，简单的轮廓可以发展成精致的素描。

(3)用线条区分立体和平面。

在素描中，线条可以用来区分立体和平面，而色彩明暗则是为了加强和区分整体和局部的关系。我们可以用线条的开始、消失、中断来画边界，形成一个平面，也可以让颜色上到边界。线条的粗细可以表现出物体的变化，甚至光影也可以通过线条的笔画变化表现出来。

(4)平面技术的辅助

素描的线条技法也需要平面技法的辅助。当在平面技术中使用木炭粉笔时，可以在明暗对比中使用刷子擦拭法。

(5)毛笔绘画的使用

更重要的是使用毛笔的画法，因为毛笔可以发挥笔画的宽度和笔画的力度，可以增加空间感和立体感。

(6)增强艺术性

素描也可以用多色画笔作为基本素材，增强素描效果和素描的艺术性。

喷漆步骤

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科学严谨的方法和步骤，既能保证素描工作的顺利进行，又能培养我们的整体观察和描绘能力。

建立构成

刻意安排构图，使画面上的物体适当优先，构图均衡多样，避免散、乱、空、塞的弊端。

形式和结构

用长直线画出物体的身体结构(物体看不见的部分也要轻轻画)，物体的形状、比例、结构关系要准确。然后画出每个明暗层次的形状和位置(高光、亮部、中间色、暗部、投影和明暗交线)。

逐渐深入成形

通过对形体的明暗描写(从整体到局部，从大到小)，逐渐塑造出物体的体量感。应该仔细描述主要和关键的细节。

调整完成

深入的人物塑造不可避免地忽略了整体与部分的关系。这时候就要综合调整(主要指物理结构包括色彩、肌理、空间、主次等。)，从而做出选择，突出主体。

艺术简介

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素描是一种用单色或少量彩色绘画材料描绘生活中所见的真实事物或感受的绘画形式。使用的材料有干的和湿的。

素描组合风景

有两大类，其中干料如铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭笔、银笔等。，而潮湿的材料如水墨、钢笔、签字笔、芦苇笔、竹笔、圆珠笔等。传统上，素描主要是单色绘画，但在艺术字典里，水彩画也属于素描。

以素描表达为目的，素描一般作为提高学生造型能力的基础素描练习，或作为创作前的收尾或局部草稿练习，收集素材的一种方法，练习对象形象、动态、量感、肌理、明暗、空间、色彩、比例、构图、变化的统一、密度等。大部分画家在从事一幅油画或者壁画之前，都有一个绘画原型，而这个简单的原型绘画就是素描。素描很少用于制作成品，但也有画家用这种方法制作，而这样的成品画又不同于草稿画，因为这种素描是在原型画的基本功之外，再加上光影变化的细节。而这幅素描的目的，也是作为画家的视觉记录。

在表现技巧上，素描不同于水彩画和油画，但比线条表达更重要。它通过线条的粗细来描述物体的明暗，不需要担心物体细节的色调值。画面通过明暗对比突出主题，但也失去了对色彩的考虑。素描在明暗色调中细节层次分明，能在明暗不同的细微变化中表现出物体的立体感。

法国古典主义油画家安赫尔由于与浪漫主义观点不同，认为色彩的作用不是主要的，所以创作了大量的素描和单线作品。中国画家王式廓的著名作品《血衣》也是用素描创作的。

意大利文艺复兴时期有三位著名的素描大师:达芬奇、米开朗基罗·博那罗蒂、拉斐尔·桑丘和中国的徐悲鸿(1895-1953)。伦勃朗、彼得·保罗·鲁本斯和伊利亚·列宾也是素描大师。

素描也是造型艺术，其目的是在二维纸上创造三维形态。建模的准确性和内部结构的科学性是最重要的。

艺术理解

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这是一个绘画术语。中文解释:“素”字面意思是简单、直接、朴素、真实。“画”是指书写、绘制、挥动、临摹，

素描的意义。素描的定义是用单色描绘一个物体的形象。素描是一门关于认知和表现的学问，是指导造型艺术表现的一种基本的、辩证的、逻辑的思维方式，是一门独立的造型艺术。我们常说，素描是一切绘画的基础，是绘画创作的训练手段。

作为素描的雏形，最早的是古代洞穴的岩画，棋子，莫名其妙的符号。这些简单朴素的描述，是人类祖先对自然的真实感受。意大利16世纪，美院产生后，素描作为一种正式的身份出现在美院的画室里。本课程于1912在上海美院正式开设，1958年受到冲击，1962年恢复，文革期间再次受到冲击，直到1976年在全国各大美院恢复。从素描的发展历史来看，从古埃及、两河流域到古希腊罗马，从中世纪到文艺复兴，从17世纪的欧洲古典画派到20世纪的现代主义，已经形成了一个完善的体系。在素描教学中，主要是训练学生如何观察和描绘客观物体的造型能力。对于初学者来说，我们往往是通过把身体画得像不像，准确不准确，整体不完整来检验素描水平。作为设计师，还应该具备素描的基本功。

艺术是表达事物的一种手段。艺术的基础是造型，艺术造型是人以自然的方式进行的复杂劳动，是需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不仅仅是塑造孤立的、静止的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法，既要还原人的自然思维方式和操作方式，又要研究自然物的形式特征，了解其变化规律和条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径，这一点在艺术造型的实践中已经得到了充分的证明。因此，素描被称为“造型艺术的基础”。

素描通常是指能在平面上留下痕迹的方法，如蜡笔、炭笔、钢笔、铅笔、彩色粉笔、乌木棕、墨水、纸张等。其他包括湿粘土、沾有墨水的布条、金属、石器、容器或布面造成的磨损。素描是一切绘画的基础，是研究过程中必经的一个阶段。

轮廓和线条是素描的通称。素描有一种自然法感，观者从欣赏的过程中就能感受到。不同的笔触创造出不同的线条和交叉关系，包括节奏，主动和被动的周围，平面，体积，色调和质感。

素描是一种形式上的艺术创作，它可以用单色的线条(或两种或两种以上的颜色)或涂抹成面来表现直观世界中的事物，可以表现思想、概念、态度、感情、幻想、符号甚至抽象的形式。它不像绘画那样重视整体和色彩，而是重视结构和形式。在《西方美术大辞典》(狮子图书公司出版)这本书里，只有一个和素描有关的解释。认为作品或作品一部分的草图是艺术家对光影、构图、整幅画面的尺度等关键点的研究和探讨。是整幅画或其中一幅画的初步构图。

风景画家的素描通常是一个小而快速的记录，用来展示风景的灯光效果，为将来重新绘画的想法做准备。

每一个物体在光照下都会有亮暗的部分，也就是亮暗的部分所以在绘画的时候，会以明暗的分界线作为分界，把亮暗的部分分开。

暗部一般是反光的，灰黑的；亮的部分是画中最亮的部分；还有投影和背景。

画的时候，亮的部分尽量避免脏，暗的部分尽量避免闷(就是线条太多没有缝隙和反光)。

素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩、油画、版画、雕塑(浮雕)，对于平面设计来说，也是素描的必要基础。虽然素描被认为是一种二维艺术，不需要色彩和三维空间，但也隐含着两者。

素描的定义(摘自何康教师手册)

法国Dessin -英国Drawing -中文叫“素描”。草图是在给定的区域或平面材料(纸、布等)上描述外部物体在空间中的位置。)，并通过这种训练掌握物体的明暗层次和基本图像。

素描符合素描的定义。从广义上讲，素描是素描的一种。

素描高考

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素描需要培养自己的观察力。此外，素描还可以解释为“存在”与“绘画”之间的一切努力，称为“绘画的描述力”。

随着我国高等教育的发展，艺术类院校和专业的招生人数越来越多。很多热爱美术的高中生报考美术院校和专业，素描考试是美术专业考试的主要科目。如何提高高考素描分数，是考生苦苦寻找的问题。因此，素描考试的研究是高中美术教师教学的重中之重。

19年底，欧洲艺术由于后印象派和立体派对艺术本质的不同追求和探讨，彻底解放了对立体形态和色彩的描绘，因此也改变了传统的素描训练模式。在一些国家，如法国巴黎第一大学的美术系，“素描”的课程被“二维、单色和多色的研究”所取代。在这种课程安排中，素描的空间更大，取材更灵活。学生可以随意使用各种媒体进行二维建模练习。因此，除了素描的基本概念之外，在素描媒体的训练上，要给予更多的弹性和灵活性，使素描的训练既能与艺术思潮相匹配，又能表现出更强的生命力和更广泛的表现力。

如文艺复兴三杰，鲁本斯、伦勃朗、戈雅、安吉尔、列宾、门瑟等；而一些伟大的画家，比如提香、委拉斯开兹，很少流传，因为他们擅长直接在画布上画稿，所以留下的素描不多；但是，从我们看到的为数不多的作品中，还是可以看出他们在素描方面的独特技巧。

素描的五个明暗面包括:亮面、灰面、明暗相交面(最暗)、投影面、反射面。素描在基础绘画中要注重多几何的能力！

素描，一般从石膏形象入手，初级阶段以石膏形象为教学内容。其优点是:第一，石膏像为白色物体，便于我们观察人物头部结构的转折关系和层次差异；其次，石膏像是静态的，为初学者仔细耐心地观察和描述物体提供了最大的方便。被淡化的人物肤色和毛发的各种差异和变化，会让我们更直接地感受到不可理解的物体的身体和结构的本质；另外，石膏像通常是欧洲古代大师和东方艺术家的经典雕塑。这些雕像本身也经过雕刻艺术家的归纳、总结、强化和表达。人物的形象特征和结构关系更加强烈生动，动态和情感更加生动丰富。

素描组合静物

传染性。在石膏印象素描的训练中，这个物体本身就是一个很好的艺术范例，为我们提供了结构、造型、层次的最佳方法。另一方面，石膏像的上述特点，其实已经说明了它和肖像画的区别和不同。那么，在写生的具体过程中，表现手法有哪些异同？

总之，石膏像素描和人像素描从观察方法到表现步骤都没有本质区别，两者是相对一致的。但是在具体的表演技巧上还是有一些细微的差别。首先，石膏像的身体结构和肌肉起伏的关系是雕塑家用雕刻刀塑造的，有明显的体面归纳、概括和处理的痕迹。比如石膏像的眉毛、胡须、眼球、头发等等，都是经过体面的、块状的方法诱导和处理过的形状。骨骼和肌肉之间的关系是明显而牢固的。

专业院校

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密西西比州立大学圣玛丽大学弗吉尼亚大学乔治敦大学密歇根大学安阿伯维克森林大学耶鲁大学哥伦比亚大学华盛顿大学卡内基梅隆大学。

术语

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观察比例结构背光色调透视角度形体构图定点造型复制投影实际强度强度素描色调亮度纯度

灰色反光高光带状电缆，深度和密度空间位置，侧光仰角。

水平面五大色调(投影、高光、明暗边界、反射)、长、宽、高、点、线、面、三大面(明面、暗面、灰面)、轮廓线、结构线。

基本形状组合形状的灰色曲面

设计专业根据自己专业的特点，修正了素描教学的模式和方法，但基本上借鉴了西方艺术发展中各个流派的素描经验，同时素描作为写实素描的观念在骨子里并没有根除。同时，在基础设计教学领域授课的老师大多来自绘画专业，继承了写实素描是标准素描模式的观念，所以所有的改变都只是基于写实素描的修正和变异。

需要注意的事项

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1.缺乏整体美感

这是很多初学者和考生的通病。由于他们缺乏长期的作业训练，在考试中无法以整体观念为指导。

全长草图

全面推进，往往急于求成，在没有把握整体效果的情况下，盲目深挖局部，导致局部之间没有很好的衔接。让整体美感没有得到更好的体现，局部结构已经非常突出，其他地方做的还不够。这样的画怎么会受到好评？

一幅画的整体是由几个部分组成的，没有部分的画是不真实的；但是，一幅画只有局部没有整体，即使再精彩再深入，也是没有意义的。素描的目的不仅仅是练习“好好活着”，更重要的是培养一种思维的意境，以及如何观察事物。没有这两点，素描练习就失去了本质意义。既然整体关系到一个小品的成败，那么部分与部分、部分与整体的关系就很重要。如何解决这种关系，要看对比的方法，对比色调的深浅，比例的长短宽窄，远与近，虚与实的关系，比透视。按照这种比较，画出来的作品才是客观物体真实的一面。

2.增敏

世界上所有的人都没有绝对一样的脸，即使是双胞胎也不例外。他们也有别人不易察觉的差异。素描训练的基本任务是捕捉对象的特征和独特差异。但是在写生的过程中，经常会看到一些同学不管画谁，不管对象的长相气质如何，都画得像一个人，模型似乎就是他们编造的一个摆设，一个参照物。有初学阶段老师指导的失误，也有考生自身理解的误区。有的考生误以为模特像不像无所谓，只要画面效果好就行，反正阅卷老师也不知道模特是什么样的。诚然，像不像不是衡量一幅素描好坏的标准之一，但却能考验一个学生对事物的敏感度和表达能力。如果一个学生长期感觉远离物体，编造所谓的画面效果，放弃对客观物体感知能力的训练，那么他就可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家应有的敏感。具体到素描和速写的表现就是千人千面。这是因为眼睛，作为一个画家的重要条件，已经退化了。毫无疑问，这样的试卷是拿不到高分的。而这些问题一旦形成，就很难改正。所以学生要特别注意老师提到的每一个细节。

3.这幅画没有把握好

在最后的画面调整中，最容易出现画面灰暗、效果对比度弱、画面破碎的问题。为什么会有这些问题？这是因为画面的黑白灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律，画面层次不清晰，画面效果不响亮。至于哪个分量多，哪个分量少，就看你的感觉了。它们自身的关系很重要，但无论是什么比例关系，三个基本色中的一个都不能缺。

造成灰色画面的原因有很多。比如模特的脸大部分都在亮的部分，所以图片基本都是亮灰色调；诸如

如果水果处理不当，很容易造成画面灰暗。这时候就体现出深灰的作用，尽量拉大深灰和浅灰的距离，保持画面的层次感。还有一种情况:模特的皮肤比较深，黑色和深灰色调占了大部分面部面积，浅灰色和亮面占的很少。处理不好还容易导致画面灰暗、沉闷，影响作业表现。对此，考生要主动降低中间调的深度，提高画面(脸)的亮度，保持画面的层次感。在写生过程中，在尊重客观物体整体的前提下，允许调整、弱化或强化局部色彩的艺术处理。

素描的对象，无论明或暗，强或弱，虚或实，都有其规律和秩序。素描时如果打乱了这种客观秩序，就会显得凌乱琐碎，从而影响画面的整体感。

还有一种情况是各部分都画得很好，很完整，但各部分之间没有联系，不统一，互不相让，像一片沙子。当一个物体被固定光源照射时，必然会出现强弱、远近、虚实的影像。所以物体和图像的主次关系——秩序感。如果把握不好，这样的作品不能说是好作品！

4.在素描练习的过程中，素描一定要着重于光线与物体的关系，笔触的描绘手法，才能具体而细微地呈现出自己眼睛所观察到的形体。所以素描需要培养自己的观察力。此外，素描还可以解释为“存在”与“绘画”之间的一切努力，称为“绘画的描述力”。比如描绘桌子上的静物，我们不仅可以找到静物上不同的颜色，还可以找到桌子上的安全感和背景之间的和谐。形状、色彩、线条、明暗、肌理、量感、存在感、空间感、动态感这些复杂的因素相互交织，形成一种优美的秩序。绘画就是把那些自然的秩序变成美丽如画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础，是最能体现人的绘画水平的一种绘画。所以在学习上要脚踏实地，坚持下去，不能浮躁。

常见问题

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1，车身涂“歪”

这是由于制图不良造成的错误。素描中物体的特点是“静”。每个物体都有自己的位置和重心，对称物体的重心。在其中心垂直线位置，如果垂直线不垂直，物体重心就会不稳，产生“歪”的误差。画“歪”的错误还有一个原因:对称的物体画得不对称。解决的办法是:起草的时候，左右两边要同时起草，不要等到一边写完，另一边才开始。

2.画面太“空”或者太“满”

这是构图不当造成的误差。物体过小过集中，会造成画面“空洞”；物体太大太散，画面就会“满”，甚至有时候画面会“装不下”物体。解决的办法是在一开始就找出整个物体的组合形态，根据构图的要求做出定位辅助线，进一步的时候不要轻易改变构图的定位线，否则会破坏构图的初衷。

3.轮廓线太“粗”

这是因为画家还没有建立起“得体”的概念，不明白物体的轮廓是由“脸”的转折形成的，不明白形状是有明暗对比的。解决办法是加强观察和感受，排除非素描习惯的干扰，将“粗线”的一面过渡到暗部或背景。

4.轮廓线穿过“虚”

这是因为画家误认为物体越立体，其轮廓就越虚；后面的物体越多，它的形状就越虚。解决的办法是理解视觉中的“双眼视差”现象，学习建模中“线与面”的变换关系，客观地表达物体，不受“主观性”的影响。

5.透视面太“大”

初学者往往把一个物体的边画得很大，是因为不了解视觉透视收缩的现象，主观认为原来的“那一边”并没有那么小，并不是完全根据客观观察的结果画出来的。这说明生活中的习惯也影响着画家。纠正的方法是认真学习透视法，严格把握比例关系，客观表现对象。

6、画面太“灰”

产生灰色的直接原因是物体的亮部涂得很重，这是明暗对比观察不够造成的。调整时应加重明暗分界线，提高亮部亮度。

7.画面太“碎”，太“平”，太“平”

这三类错误的主要原因是主次对象不清。“碎片化”的原因是物体所描绘的部分太多太强。“扁平”的原因是物体没有被完全描绘出来。“板”的原因是对物体的描述缺乏变化。造成这些错误的主要原因是没有整体观察、整体表现和对主次技术掌握不够。解决的办法是:在素描步骤的熟悉建模阶段，全面梳理静物整体印象，找到静物的主次部位，在刻画中严格遵循整体和主次部位的要求，及时进行调整。